Rafael VeO

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Admiré por primera vez la obra de éste gran artista por casualidad en el año 2007:  fui a comer con mi familia a burrinero, un restaurante de mariscos que llamó la atención de mis papás; recuerdo el asombro que sentimos mi hermana y yo al ver el mural dentro del local.  Detalles que me recordaban películas o sueños de mi infancia.
El restaurante creció y cambió de sucursal. En él vimos un nuevo mural, tan espectacular como el primero y al ir al baño de mujeres vi una burrita rosa que por poco me hace explotar de amor por lo que no resistí preguntar cuál era el nombre del creador; lo busqué en internet y a partir de ese momento sigo el trabajo de Rafael.

Rafael Vázquez Orozco, artista gráfico tapatío nacido en 1987.  “Un obrero del arte”.

Gran parte de su trabajo lo ha desarrollado en murales, aunque también realiza pinturas en formatos pequeños. Los detalles minuciosos de su obra llevan al espectador a un universo lleno de incógnitas, mundos inmersos en territorios inundados de magia, energía y misticismo. Imposible mirar una obra de éste artista sin quedar hipnotizado y sumergido en otra realidad.

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Rafael se ha expresado a través del dibujo desde muy pequeño, algunas veces para librarse del aburrimiento y otras para expresar las ideas que surgen de su interior. Sabía que era algo que en su momento lo cautivaba, llenaba su tiempo, le daba vida y en la actualidad le brinda los recursos económicos necesarios para mantenerse.

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Mural en la Ciudad de México

Su formación académica fue en el Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño (CUAAD) de la Universidad de Guadalajara, cursando la carrera de Diseño Gráfico.

Rafael me abre las puertas de su casa para platicarme sobre su experiencia con el arte. Su estilo está presente en la decoración de su hogar, lleno de magia y belleza en cada rincón. La atmósfera me recordaba a la escena de “la hora del té”: delicioso café negro servido en tazas como de muñecas sobre una mesa de madera, las paredes decoradas con objetos muy particulares cada uno en su lugar;  acompañados de una excelente selección de Jazz.

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Cuenta que su estilo se ha ido creando con la práctica en trabajos formales e informales, sin ser algo premeditado; inconscientemente ha mantenido la fantasía que flotaba en su mente desde niño y las ideas siguen fluyendo.

Se sumerge dentro de su propio universo; lo explora, contempla y analiza. Su gran capacidad de observación e interés en el dibujo, lo llevaron a descubrir y aplicar forma y estructura geométrica en los objetos dibujados.  Como ejemplo muestro la siguiente ilustración donde con triángulos se construye la figura humana.

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Triángulos
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Espirales

Sus personajes fundamentalmente humanos de piel morena, animales con identidad propia, calaveras y sirenas entre otros. Todos ellos libres, misteriosos, felices, meditabundos y casi siempre enamorados; en equilibrio y armonía con la naturaleza que los envuelve. Paisajes fantásticos donde la muerte y la vida se muestran como expresiones del mismo ser.

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Las personas muestran gusto por lo que hace encargándole pinturas o murales y comprando su obra. Disfruta la tranquilidad de tener trabajo planeado para los próximos meses haciendo lo que más le gusta hacer.

La madurez en la obra y claridad en su discurso intelectual, lo lleva a preparar una nueva exposición el próximo 15 de Junio.

Inspiración y creatividad… Rafael Veo.

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¿Cuándo y cómo fue que decidiste dedicarte de lleno al arte?

“No fue una decisión sino una inercia, desde que recuerdo lo hago como manera de canalizar mi energía. De niño como un juego, mas tarde ya no era solo lúdico sino también un proceso de sublimación, poco a poco se convierte en algo que no puedes dejar de hacer, como un tic, una pasión , devoción o adicción”.

¿Crees que es mito o una realidad el dicho de que es muy difícil vivir del arte?

“No es fácil ni difícil, tiene de todo, hay días en que dudo y otros que estoy muy seguro. ¿Hacia donde voy?, ¿hacia dónde va todo esto?, me asusto o pierdo la motivación, ¿es que vale la pena vivir para hacer lo que hago?. Creo que a todos nos pasa: siempre se pierde y se gana algo”.

Un concepto para definirte como persona.

“Sensato”.

Y para definir tu obra:

“Pintura embrujada”.

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¿Qué opinas sobre la inspiración?

“Llega y se va. Y cuando llegue hay que aprovecharla y estar atento para ver con qué te puedes quedar. Siempre es bella y misteriosa”.

¿Qué elementos te ayudan a trabajar mejor (cómo música, el espacio de trabajo, la limpieza, etc)?

“Lo que más me ayuda es la espontaneidad y como su nombre lo dice llega repentinamente, algunas veces lo provoca la música otras una tormenta, una persona, un personaje, el orden o el aparente desorden. Me siento en una búsqueda de la belleza y el misterio, trato de encontrar lo que me provoque eso”.

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¿Se nace creativo o se trabaja para lograrlo?

“La verdad no me acuerdo de cuando nací jaja, sin embargo creo que se puede estimular. Pero así como hay muchos tipos de creativos debe haber muchos tipos de métodos. A mí me funcionaba la curiosidad, tratar de ver lo que había detrás de las cosas, la poesía, los cuentos, las leyendas, las caricaturas. Lo que me hacía imaginar”.

¿Haces bocetos cuándo se te ocurre alguna idea?

“Algunas veces sí  y otras plasmo directo la obra definitiva”.

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¿Cuáles artistas te inspiran?

“Es una ensalada de locos y cuerdos que no siempre combina pero que me hacen sentir inspirado: Eduardo Galeano, Orozco, Rivera, Siqueiros, Leonardo, Miyazaki, Ryden, Sam Flores, Bukowski, Posada, Remedios Varo, el arte prehispánico, los creadores de alebrijes de Oaxaca, textiles del sureste Mexicano, los wixarricas , Pepe Mujica ( se puede hacer arte de la política), John Fante, Etgar Keret, Yoko Ono, Lennon, Claude Ponti, Paul Grimault, Charly García, Agustín Lara, Chavela Vargas, Facundo Cabral, Picasso, Hesse, Tupac, Roberto Goyeneche, Violeta Parra, Jara , Cricri, Rockdrigo y mis amigos”.

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Remedios Varo
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Frida Kahlo

¿Qué consejo darías a las personas que busquen desarrollarse en el ámbito creativo?

“Que lo hagan aunque tengan miedo y piensen que no son buenos, lo que pase después es una sorpresa. Que lo mas lindo es vincularte con tu alma y la de las personas, no competir, demostrar o segregar al desarrollar el arte”.

¡Muchas gracias Rafael por compartirnos tu tiempo y experiencia en el arte! (y por el mate).

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Les recomiendo que visiten su página de Facebook e Instagram.

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Sergio Zepeda

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Sergio Zepeda es arquitecto, pintor, escritor, de todo un poco; pero en resumen es un artista.

Entrar a su estudio me hizo sentir como si yo fuera Alicia en el país de las Maravillas, rodeada de objetos extraños y mucho color. Lo primero que pensé al ver al arquitecto fue: qué señor tan cool, ¡me encanta su look!

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Estudió Pintura en la desaparecida Escuela de Artes Plásticas, y Arquitectura en la Universidad de Guadalajara (Jalisco, México). Iniciándose como maestro en la primera siendo alumno de la segunda; Fue uno de los maestros fundadores y secretario de la Facultad de Diseño y Director de la Escuela de Artes Plásticas, también fue maestro de la Facultad de Arquitectura, siendo nombrado Rector fundador del Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño (CUAAD).

Desde que era estudiante de Arquitectura tenía un pequeño despacho donde ejerció como arquitecto por muchos años; construyendo negocios y residencias. Entre sus obras esta el proyecto  del Centro Municipal de la Cultura, en Zapopan y el Museo del Periodismo y las Artes Gráficas en la Casa de los Perros, en Guadalajara

Sergio Zepeda quería ser pintor. Ante el ejemplo de su abuela paterna que era pintora y él la cuidaba,  ella le enseñó los primeros secretos en las diversas técnicas de pintura. Un día memorable, la abuela le regaló una cajita de colores para acuarela alemana; cuando la abrió y sorprendido vio que solo eran 12 colores, la abuela advirtió que se le hicieron poquitos, por lo que  le dijo: “con estos colores, un poco de agua y creatividad, vas a poder hacer todos los colores que existen en el universo”, y le puso solemnemente unos pinceles en su mano.

“Yo sentí que me estaba nombrando caballero con los pinceles como espada. Lo tomé muy a pecho y con ello aumento mi aprecio por la pintura. Éramos nueve hermanos, mi padre nos había dicho que la única herencia que nos podía dejar era nuestra educación; así que cuando le comente que quería ser pintor, me dijo: «ve practicando a no comer, porque según sé, los pintores suelen morir de hambre». De  modo que para darle gusto escogí la carrera de Arquitectura; pero no me arrepiento, porque es una carrera de una singular amplitud que da espacio para muchas lineas de la creatividad. Sin embargo, nunca dejé de pintar, aunque ciertamente era pintor de fin de semana o de vacaciones”.

“Pinto ojos porque en comparación con otros elementos de la anatomía humana son muy pequeños y sin embargo son capaces de expresar cualquier sentimiento”.

Actualmente se dedica a crear Arte-objeto. En ocasiones restaura objetos antiguos y los transforma convirtiéndolos en nuevas piezas de arte.

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Sergio se desenvolvió simultáneamente en otra área completamente diferente al de la pintura y la arquitectura: la escritura, lo cual no les sorprendería en absoluto si lo escucharan hablar. Además de una manera muy propia y fluida de expresarse, su conversación es muy amena e interesante.

“Desde que me jubilé, sentía la libertad de estar en mi estudio todo el tiempo posible, pero luego me dio por escribir y ya voy por el cuarto libro. El primero fue muy original y se agotó. Mandé encuadernar un libro en blanco integrado por papeles de diferentes texturas, le puse como título “Gente grande que conocí”, y a la gente que yo admiraba en ese tiempo le entregaba el libro para que hiciera en él, algo para mi, y yo escribir un poco sobre la persona. Así  surgió un libro que editó Jaime Alvarez del Castillo  en la editorial Ágata, se entusiasmó, me lo pidió y lo editó; es un libro muy original en el que ordene en estricto orden alfabético a los invitados escribiendo la misma cantidad de renglones sobre cada uno para no herir ninguna susceptibilidad.”

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Su segundo libro, “De mis hojas sueltas“,  trata sobre su infancia y la Guadalajara que le tocó vivir, de la que en la actualidad poco queda . En ese libro, aparece una fotografía de Plácido Domingo,   con quien compartia el escenario del teatro Degollado, cuando venía de vacaciones y Sergio era comparsa junto con sus hermanos, en todas las funciones. En la foto, Plácido le dedicó: “Para Sergio, el más joven de los comparsas.”

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Regalos ❤ ¡Gracias!

Otro libro, 50 Años en torno al arte, lo editó la Secretaria de Cultura, el Centro Universitario CUAAD y CONACULTA, celebrandoando el haber expuesto en el Museo del Estado, junto a Guadalupe Zuno, Gabriel Flores, Cesar Zazueta y Chavez Vega y cumplir su 50 aniversario. Su libro fue presentado en uno de los patios del Hospicio Cabañas, junto con una exposición de su obra, en una de las salas anexas. Su próximo proyecto es un libro de relatos diversos, relacionados con sus vivencias.

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Así como el gusto por la pintura le viene de su abuela paterna, el gusto por la música y la literatura lo aprendió de sus padres, a quienes admiró y respetó profundamente. Ambos cantaban; el papá de Sergio sabía tocar varios instrumentos y juntos cultivaron el arte que se mantiene en la familia. Sergio tiene dos hijos que son pianistas profesionales y dos diseñadores, en la familia hay varios músicos de muy buen nivel.

Este artista piensa que los hijos deben decidir su propio camino y que nunca hay que escoger una carrera por el dinero o por complacer a los padres. Ahora piensa que si se hubiera dedicado desde el principio a pintar profesionalmente, pudo haber sido tan rentable como lo fue la arquitectura. Como todo artista, Sergio se ha enfrentado al problema de la valorización de su trabajo:

“Mucha gente considera que la música y el arte son un hobbie, pero realmente son una profesión como cualquier otra que requiere entrega y esfuerzo. Además, su ejercicio requiere una paga. No ha faltado gente que viene, ve lo que pinto y en forma de reclamo me dice: ‘¡Oye Zepeda, nunca me haz regalado nada, ni un cuadro tuyo!’ Entonces, yo suelo responder: ‘¿y tú,  me haz regalado tus servicios? Hay que tener respeto de cada profesión.”

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Como director de la Escuela de Artes Plásticas, tuvo oportunidad de hacer propuestas y tomar decisiones con el afán de favorecer a los jóvenes que tienen el sueño de crecer. Una de las más trascendentes nació cuando las tradicionales Fiestas de Octubre todavía se realizaban en el parque Agua Azul y se buscaba elevar el nivel cultural de dicho evento, por lo que propuso lo que hoy se conoce como Salón de Octubre, aunque ya existía algo con ese nombre,  pero se trataba de una actividad irregular que no abría sus puertas a los jóvenes creadores. Así que decidió mantener el mismo nombre y trabajó en so organización durante nueve años. Su objetivo principal era apoyar a los artistas principiantes, por lo que integro siempre excelentes jurados para valorar las obras y hoy, dice orgulloso: “la mayoría  de los mejores artistas que figuran en la actualidad, obtuvieron sus primeros premios en los eventos del Salón de Octubre” que Sergio Zepeda coordinaba.

Otro gran logro tuvo que ver con la transformación de la escuela de Artes Plásticas. La escuela, por aquel entonces de nivel técnico medio, se transformó para ofrecer licenciaturas en arte. Gracias a sus ideas y gestión, la escuela pudo conservar a los mejores maestros mediante un proyecto que permitió nivelarlos y obtener el reconocimiento de las autoridades educativas, para alcanzar la titulación que requerian para continuar así al frente de sus catedras.

Además, ya como Rector del CUAAD, realizó un viejo sueño que resultó muy significativo para los alumnos de Artes Plásticas, debido a que consiguió anexar a la escuela un espacio del inmueble que forma parte del patrimonio de la ciudad y que por muchos años pertenecío inutilizada a la dependencia de correos. Este afán lo llevó a hablar con el mismísimo Presidente de la República, hasta rescatar el espacio que ayudó a que los alumnos de escultura y de danza dejaran de tomar clases en el patio completo y pudieran tener sus propios salones.

“Son logros que no son económicos, tampoco me beneficiaron directamente a mi. Sin embargo, no me arrepiento de haber pensado más en ser útil a otros que de andar buscando mi complacencia. Tengo a cambio muchísimas satisfacciones, amigos y gente que me estima. He llevado a Italia en dos ocasiones a veinte artistas, porque a mí me invitan para que yo los proponga; y esas son satisfacciones que para mi valen más”.

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¿A quién admira Sergio Zepeda?

“Una persona que me marcó toda la vida, como maestro y ejemplo, es mi padre. Fue el primer hombre al que admiré, para mí era un personaje increíble. Tenía una personalidad extraordinaria. Era un señor distinguido en todas partes, en la familia era el patriarca. Sus hermanos le decían “Don Gerardo”, yo también le decía así, sus hijos, le hablábamos de usted y él a nosotros. Cantaba precioso, como mencioné antes. Era todo un caballero, de buen vestir y bien decir. Yo siempre quise llegar a ser como él. Sobre todo por su alta congruencia y honestidad que para mucha gente podía rayar en lo absurdo.

Sin embargo dentro de toda esa rectitud y disciplina, era una ternura de persona, sencilla y afable, era capaz de hacer magias y ponerse disfraces para asustarnos y jugar con nosotros.

Aún sigue siendo mi modelo a seguir, no se si logré ser como él, pero lo sigo admirando.”

¿Quién es artista?

“Yo pienso que el artista crea sensaciones. Con su ingenio, con sus vivencias, crea algo que puede ser musical, literario, escultórico o pictórico y que no existe en el universo, pero  él lo está aportando.

Para mi el artista es un YO que hace algo para el USTEDES. 

Es toda una preparación y una vivencia. Así sea el artista más sencillo del mundo, es una persona que logró captar infinidad de sensaciones que pudo plasmar en el más elemental objeto.”

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¿Qué opina de la inspiración?

“Es una forma muy romántica de llamar al entorno en el que se transforma algo. Es una forma de decir a alguien que por inspiración fue capaz de crear.

Yo escribo un texto y a veces la gente dice: ¡Ah pero que inspirado, arquitecto!

Pero ese texto que lleva diez renglones, tal vez me llevó un mes o mes y medio o algunas horas, en escribir primero las simples ideas,  ya que no desperdicio ninguna. Después viene una etapa para dejarme reposar a mí sobre ese tema y olvidarme de él, para después volver a retomarlo y darle una pulida. Dejarlo otra vez y entonces tal vez empezar a borrar. Porque como cuando esculpes en mármol o tallas en madera, hay partes que hay que quitar.

Finalmente llega el punto de dar los últimos detalles, que en un texto pueden ser unos puntos suspensivos o en una pintura una pincelada para dar luz. Ese final total, es lo que va a ver el espectador y piensa que esa es la inspiración, pero solamente fue mucho trabajo ordenado y metodico.”

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¿Cómo surgió su creatividad?

“Pienso que me llegó como a todo mundo. Como artistas y como seres humanos, somos lo que somos, más nuestro entorno. Mis vivencias de la niñez en determinada zona que yo recorría, la gente que veía, los lugares que visitaba, cuando salí por primera vez a un lugar en el extranjero, cuando participé accionando con otras personas… todo eso fue mi entorno y lo que me fue enriqueciendo y me dio las herramientas para crear. Esas son las letras con las que puede uno ir escribiendo su mensaje, o el barro con el que puedes ir modelando, o los colores con los que vas a pintar.

Cuando impartía mis clases, en la materia de estética,  decía a los alumnos que lo que tuvieran como archivo cognocitivo era lo que les iba a proporcionar la creatividad. Les decía: ‘Si van a estudiar Arquitectura, empápense de Arquitectura, porque ese es su tema. Esa es la materia prima con la que van a poder crear'”.

Muchas gracias arquitecto Sergio Zepeda por su tiempo, paciencia y atenciones. Por permitirme conocerlo, si algún día le hace falta una nieta, yo me apunto <3. ¡Me encantó escucharlo y conocer su estudio mágico!

 

 

 

Rōbsō

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Existen personas que reciben un golpe de suerte y sin ser muy talentosas la vida los lleva por la ruta del éxito fluidamente. Hay personas que han trabajado duro y constantemente por sus conseguir sus sueños y se han enfrentado con toda clase de obstáculos en el camino. También existe una combinación perfectamente balanceada entre estos dos tipos de personas y en este tipo se encuentra Roberto Sánchez, quien además de talento y trabajo constante, ha tenido golpes de suerte que ha sabido aprovechar y que, como un efecto dominó, lo han llevado a tener nuevas oportunidades. Digamos que recibe justamente los frutos de su esfuerzo.

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Sus ilustraciones son tan geométricas y sólidas como sus cejas y su bigote en la vida real; y sus personajes tan misteriosos como él mismo. Intenté persuadirlo para que me dejara fotografiarlo, pero fracasé; más adelante explico sus motivos, que me parecen una gran idea.

Platicar con él fue muy inspirador. ¡Y ver su cuaderno de bocetos me hizo alucinar! Estuve a nada de salir corriendo con el cuaderno, pero como me dejó tomarle foto a lo que yo quisiera, contuve mis impulsos.

Su estilo es inconfundible. Con unas poses poco convencionales y colores perfectamente combinados, Robso crea personajes inigualables.

 

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Todo comenzó en el año 2012.  Él estaba estudiando cine y a pesar de que siempre le había gustado la ilustración y dibujaba constantemente, no sabía a ciencia cierta a qué se iba a dedicar. De repente le empezó a interesar el tema de la moda, se dio cuenta que el concepto que él tenía estaba enfocado en la parte del negocio y no a la parte creativa. Después vio que en realidad es un mundo que combina muchas cosas que a él le gustan, tales como la dirección de arte, la música y la manera en como narran una historia. Esto le pareció muy relacionado con lo que él quería hacer y a partir de ahí decidió comenzar a hacer bocetos de moda a lápiz.

Casi no tenía conocidos en el medio. A principios del 2014 fue al evento de Fashion week en México al que pudo asistir porque había ganado un boleto. Roberto estaba haciendo bocetos de las personas que estaban en el evento y por azares del destino conoció a una experta en moda llamada Anna Fusoni, a quien dibujó sin saber quién era, ni su trayectoria; después le entregó su dibujo y se presentó, sin que hubiera una conversación. Días después ella le mandó un correo invitándolo a la Ciudad de México a conocerla y él accedió. Platicaron de cómo podían seguir colaborando juntos y a partir de ese momento se abrieron muchísimas puertas para Robso. Ella viene seguido a Guadalajara a Intermoda a dar conferencias y a pasarelas a las que invitó a Roberto, por lo que empezó a asistir y a hacer dibujos de los modelos, que posteriormente ella publicaría en su blog con comentarios de los diseños. Así, empezó a conocer a otros diseñadores quienes lo invitaban a su pasarela para que dibujara sus creaciones y luego le requerían los bocetos. Posteriormente gracias a la recomendación de Ana, Roberto realizaría proyectos para la revista Glamour.

 

 

En ese tiempo, llevaba cerca de un año estudiando la carrera de diseño gráfico; había decidido que el cine no era el camino más indicado para él. Su gusto por el dibujo y la rapidez con que lo hace, le abrió muchas puertas, pues su talento es poco común. Dibujar en vivo es algo difícil. Nunca antes había practicado hacerlo. Aquella vez que fue al evento de Fashion Week pensó: “tengo mi libreta, mi lápiz y mi plumón”, y simplemente comenzó a hacerlo. Al principio no sabía bien como organizarse, todo era desorden, porque tenía que cambiar la hoja rápido cuando las modelos pasaban una tras otra frente a él, en sólo segundos. Ni siquiera podía tomar fotos, porque tenía todo sobre sus piernas y se le hacía muy difícil moverse rápido.

“Después agarré maña. Es cuestión de observar, a mí me ha servido mucho ubicar cuáles son las líneas principales, la silueta que tiene la ropa y conocer como se mueve.”

Algo que le ayudó mucho a llegar a desarrollar la habilidad de dibujar figura humana en pocos segundos fue practicar con el apoyo de posemaniacs, un recurso en línea que cada 30″ muestra una persona con distinta pose a la anterior. Además estuvo en clases de pintura y pastel, las cuales le ayudaron mucho con la técnica al momento en que quiso empezar a hacer un estilo de dibujo propio.

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Dibujar en las pasarelas lo hacía preguntarse a dónde iba a llegar en un futuro. Lo hacía con gusto, a pesar de no recibir remuneración monetaria, pues se sabía haciendo networking. Lo veía como una forma relativamente fácil de conocer personas quienes al despertar su curiosidad, lo podrían llevar a realizar proyectos que no imaginaba.

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Proyecto para “La cigarra”

Poco después de conocer a Ana, Roberto conoció a una persona de relaciones públicas del Palacio de Hierro de Guadalajara, a quien le dio su tarjeta y tiempo después recibió la invitación a trabajar con ellos en la presentación de la colección de temporada, en la que él dibujaba a la gente. Eso ya fue un trabajo remunerado y entonces se dijo: “si realmente puedo ver esto como un negocio, puede llegar a ser algo muy bueno tener las dos partes, divertirme haciendo lo que me gusta y trabajar”. En Guadalajara tuvo tres eventos esa temporada. En el primero fue conocido por personas de otras tiendas de la misma empresa en otras ciudades y recibió la invitación para ir a Villahermosa, donde vivió una experiencia inolvidable, al tiempo que con su trabajo también contribuyó a mejorar la experiencia de quienes lo contrataron. Todo ello le resultó muy gratificante, porque pudo conocer otras personas, formar parte de una organización y admirar y aprender del trabajo de otros.

 

¿Qué le faltaba para crecer?

 “Me puse a analizar a las personas que yo admiraba y me preguntaba: ¿qué es lo que ellos hacen que a mí me falta para alcanzar ese nivel?, ¿son más constantes?, ¿cómo se comunican con la gente?, ¿cómo hacen click? Tenía una idea arraigada en mi subconsciente de que deseaba hacer algo que fuera muy mío y que fuera totalmente distinto. Me puse a pensar en qué me gustaba y con qué me identificaba y así descubrí que quería intentar algo muy geométrico, que tuviera el contraste del orden y el desorden. Literalmente, desde el primer día del 2015, me decidí a hacer todo digital, porque además, me puse a pensar en dónde quería ver mi trabajo; lo imaginé en formas diversas, tales como invitaciones para pasarelas, o en playeras. Todo esto lo pensé, además, como una identidad de marca, pues ya no trabajaba sólo por gusto”.

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“Sí en el 2014 me fue muy bien y todo pasó muy rápido, el año siguiente lo sentí el doble de veloz. Tuve una respuesta bastante buena por parte de personas de todo el mundo gracias Instagram, que ha sido como mi herramienta de relaciones públicas. Sin pensarlo, tenía personas que me seguían de todas partes y me llegaron mensajes con propuestas para realizar proyectos”.

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Algo importante que ha influido en llevar a Robso al sitio en que se encuentra es su imagen. Aunque físicamente tiene un aspecto muy cuidado, si entran a sus redes sociales, les llevará un buen rato encontrar una fotografía de su persona para poderlo “stalkear”, pero enseguida quedarán flechados por sus ilustraciones. La razón es simple: Roberto es su trabajo y vive para ello. Su imagen no es él, sino lo que es capaz de hacer. Y le ha funcionado bien esta estrategia del anonimato y de no mostrar su vida personal en las redes sociales.

“Me gustó la idea de hacer mi propio universo, en donde la gente vea que todo está relacionado. No me considero una persona hermética. Sí quizás en lo personal, pero en lo laboral me parece fabuloso que la gente se identifique con lo que hago”.

Como todos los que logran cosas inusuales, hizo esfuerzos que no todos están dispuestos a hacer.

“Iba a la escuela, hacía tarea y servicio becario, pero además me ponía en la noche a hacer ilustración. No mezclar mi vida personal con el trabajo me hacía sentir un poquito más organizado, porque antes llevaba una vida más caótica. Les platicaba a mis papás lo que estaba haciendo y que tenía algún evento o que iba a trabajar con el Palacio de Hierro y decían ¡en qué momento!; estaban sorprendidos de todo lo que hacía porque nunca antes había trabajado y ellos me veían todo el tiempo en la escuela”.

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Su trabajo ha evolucionado, al principio era más rígido en cuanto al trazo y las figuras o los colores. Hacía de todo, manual y digital, y al ver sus dibujos pensaba que eran algo que cualquier persona hubiera podido haber hecho y que su trabajo no se distinguía. Pero le dio por experimentar mucho con las formas y el colorido, hasta resultar su estilo actual. Siente que cada vez se acerca más a expresar lo que es él mismo.

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Algo que en lo personal me llamó mucho la atención del trabajo de Robso, son las poses de sus personajes, así que le pregunté de donde surgió la inspiración por hacerlas:

“Yo amo el arte, me encanta ese mundo y tengo muchas referencias. Egon Schiele, quien fue discípulo de Gustav Klimt y era un excelente dibujante, ha sido mi inspiración. A pesar de haber muerto joven dejó un archivo de trabajos inmenso. Hace unas poses tan extrañas que piensas: ¿cómo puede alguien estar así? y lo relacioné con mi propia búsqueda de algo muy dinámico, de modo que decidí reinterpretarlo. Para mí la ilustración, sobre todo la de moda, es una reinterpretación a partir de los ojos de alguien. 

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Muchos me hacen comentarios sobre las poses y a mí me gusta que sea algo que te haga voltear. Significa darle un sentido más dinámico, ver las cosas desde otro ángulo, imaginar cómo se vería esta ropa con este movimiento. Y esto es tal vez la parte más difícil.”

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¿Qué opina Roberto Sánchez sobre la inspiración?

“Creo que la inspiración de alguna forma está asociada con tus reacciones emocionales frente a lo que ves, es decir, surge de la emoción que te causa lo que estás percibiendo. Puedo ver la obra de un artista cuyo trabajo tiene poco o nada que ver con lo que yo hago, por ejemplo, me encanta la fotografía y observar las composiciones; y al verla puedo sentir una emoción que me lleva a crear algo totalmente distinto. Otras veces busco provocar una emoción para ilustrar algún tema en específico, entonces busco referencias y las reinterpreto a mi manera”.

¿Y de la creatividad?

“Yo siento que todos somos creativos, aunque sea un poco. Más bien se trata de cómo lo estimulas y cómo lo haces crecer. En el ámbito de la ilustración para mí es difícil pensar en qué es lo verdaderamente creativo, porque ya existen muchas cosas y me ha ocurrido que encuentro obras a las que las mías se parecen y me hacen preguntarme si en realidad estoy haciendo algo creativo y es sólo que nuestra forma de hacerlo es similar”.

Roberto, muchísimas gracias por tu tiempo, tu grandísima paciencia y tu generosidad. Conocerte fue mejor de lo que imaginaba, el contenido que aportaste a este blog fue muy valioso. Siento una gran admiración por ti y por lo que haces y creo que eres un gran ejemplo para toda la gente joven (olvidé mencionarles que Roberto es un polluelo de tan solo 23 años).

Les invito a conocer a mayor profundidad el trabajo de Rōbsō en sus redes sociales:

Instagram

Facebook

Antonio Castro

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Antonio Castro es diseñador gráfico y profesor en la Universidad de Texas en El Paso, Estados Unidos, donde estudió la licenciatura en Diseño Gráfico y Grabado. Tiene además una maestría en Comunicación Visual que estudió en Tyler School of Art en Filadelfia. Antes de dar clases trabajó como diseñador y director de arte para Mitthoff-Burton Partners en El Paso, Texas y Parham Santana en la ciudad de Nueva York.

Como diseñador independiente ha tenido entre sus clientes a Bravo Networks, Independent Film Channel, American Movie Classics, El Paso Chile Company, Cinco Puntos Press, entre otros.

Antonio realiza diversas actividades de diseño gráfico, pero principalmente es reconocido su trabajo en el mundo del cartel.

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Su trabajo ha sido publicado en diversos medios, tales como Graphis “New Talent” book, Print Magazine y el blog The Design Observer, por mencionar algunos. Ha participado en concursos internacionales de cartel como el 2nd Anti AIDS-Ukraine, Bienal Internacional de Cartel de La Paz, Bolivia y la Bienal Internacional del Cartel de México, donde fue miembro del jurado internacional en la decimotercera edición.

Participó en CIIPE 18 y 19 (Colorado International Invitational Poster Exhibition), en “International Posters for the Digital Age” 2001-2012 y en la Bienal Internacional de Cartel Bolivia 2015, donde ganó el segundo lugar en la CATEGORÍA D. Cartel Inédito: Cultura de la Felicidad.

Antonio organiza la exhibición Invitacional Posters Without Borders junto con los diseñadores Norteamericanos, Erin Wright y Eric Boelts, desde el año 2013.

Este año tuve la oportunidad de participar en un taller de cartel en ITESO que tenía como objetivo tratar el tema de la migración y realizar un cartel para participar en la convocatoria de Escucha Mi Voz. Confieso que me inscribí porque busqué el trabajo de Antonio en internet y pensé que justo era su técnica la que quería aprender. Ya en el taller, me quedé maravillada al ver la presentación del trabajo del diseñador, no solo por la técnica y su manera de dibujar sino por sus ideas y la manera que tiene de plasmarlas.

Fue muy interesante ver cómo es su proceso creativo y todos los cambios por los que puede pasar un trabajo de diseño hasta llegar al resultado final. Antonio recalcaba mucho el no quedarnos con la primer idea que nos pareciera buena, ya que probablemente es algo que harían más diseñadores además de nosotros por ser lo más “obvio”.

Hablando específicamente sobre el cartel, el objetivo principal es dar un mensaje. Por lo que el diseñador nos enseñó a descartar elementos innecesarios para sintetizar y probar distintas técnicas con base en el contenido que cada uno quería mostrar.

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“Al final de la carrera no va a importar tu calificación, es el portafolio el que te va a dar las oportunidades.”

El diseñador nos platicó de cuando trabajó en la ciudad de Nueva York en un estudio donde se especializaban en branding. Un amigo de Antonio y él se encargaban de revisar los portafolios de las personas que solicitaban empleo. Ellos eran los primeros que los veían antes de pasarlo a sus jefes. Si el portafolio no se veía con buena presentación estando cerrado, ni siquiera lo abrían (tenían poco tiempo para revisarlos todos). Si se veía bien por fuera, lo abrían y únicamente si la primera pieza les impresionaba, continuaban mirando el contenido.

Debido a esa experiencia Antonio nos recomienda poner sólo lo mejor en el portafolio. Nos dice: “es preferible tener 10 piezas excelentes a tener 20 y  que 10 de ellas sean basura y sólo estén haciendo bulto”.

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“Siempre me fue muy bien en la carrera y salí sintiendo que merecía todo. Ahora tengo 45 años y me doy cuenta que nadie se merece nada, te lo tienes que ganar.

Antonio estuvo trabajando en diversos lugares haciendo proyectos muy variados. Con el tiempo se dio cuenta de que el moverse de sitio lo hizo aprender mucho más que si hubiera permanecido en el mismo estudio por mucho tiempo. Nos dice como consejo: “No sean estáticos. Aprende uno más cuando conoce otros lugares y otra gente. “

Dar clases es algo que lleva haciendo por muchos años y ser su alumna por una semana me hizo desear sus clases por lo menos un semestre de mi vida. Antonio Castro es de esos maestros que te dicen todos sus secretos y te ayudan a salir de tu zona de confort para que expandas tu visión como diseñador y aprendas nuevas técnicas. Para conocerlo un poco más, le hice algunas preguntas:

¿Cuándo y cómo empezó tu deseo por diseñar?

— Desde muy niño, pues mi padre fue director de arte de una tienda muy grande en El Paso, Texas; y después se dedicó a la ilustración desde su estudio en casa. Así que siempre he estado rodeado de lápices, papel, pinceles y creatividad. El estudio de mi padre era el patio donde jugaba.

¿Crees que es mito o una realidad el dicho de que es muy difícil vivir del diseño?

— Eso depende del que te lo esté diciendo, o cómo le haya ido en la feria, pero es tan difícil como todos los demás oficios o profesiones. Es difícil vivir del diseño si no se vive el diseño.

¿Tienes algún objeto de inspiración, una musa? ¿Qué elementos te ayudan a trabajar mejor?

— Música, me gusta de muchos géneros pero últimamente he estado escuchando a dos músicos que me ayudan a relajarme, Asaf Avidan y José González. Mi estudio no tiene que estar tan limpio pero si organizado.

¿Cómo es tu proceso creativo?

— Tratar de entender lo que estoy haciendo, aceptar el fracaso y aprender de él.

Tu opinión acerca de la inspiración

— Yo pienso que sí existe, pero no te llega de la nada, hay que buscarla y aprovecharla cuando llega, y cuando no llega, pues encontrar la manera de trabajar de cualquier manera, porque sobre todo en el área del diseño e ilustración, si alguien te encarga una comisión, tienes que entregar algo bueno, sí o sí, o no te vuelven a llamar.

¿Artistas que te inspiren o que admires?

— Siempre tengo presentes a gente como Anselm Kiefer, Antoni Tapies, Robert Rauschenberg, Mauricio Lasansky, entre muchos otros.

¿Un consejo para las personas que busquen desarrollarse en el ámbito creativo?

— Que estén bien conscientes en lo que se están metiendo; no es fácil, pero sí muy gratificante. Sobre todo en el área del diseño, donde hay mucha gente que se mete porque están interesados en animación o quizás pintura, grabado, etc. Pero los padres no lo aceptan porque piensan que se van a morir de hambre, y alguien les aconseja que hay una carrera que se llama diseño gráfico en la cual se puede encontrar chamba y vivir de ella, y resulta que es una falacia, porque si no eres bueno y apasionado en el diseño, no se va a poder vivir de ello y lo único que se logra es frustrarse. Un consejo es que lean, que si se tienen las posibilidades que viajen, y que se arriesguen.

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¡Muchas gracias Antonio Castro, por enseñarnos lo que mejor sabes hacer; por compartirnos tus experiencias y participar en este proyecto!

Pueden ver más sobre el trabajo de Antonio en su página web.

Felipe Covarrubias

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Felipe Covarrubias (rojinegro y atlista de nacimiento) es todo un personaje del mundo del diseño gráfico, conocido principalmente por su diseño editorial y carteles. Estudió arquitectura en la universidad ITESO; en aquel tiempo –los 60– no había una carrera de diseño en su ciudad (después el mismo y otros diseñadores fundarían la carrera en su universidad), en su propio medio, Guadalajara, Jalisco, México. Sin embargo siempre se inclinó por el diseño, le gustaban las ocasiones en las que tenían que hacer un cartel, programas, alguna portada, etc. Y en la carrera de arquitectura siempre era él quién diseñaba impresos para alguna actividad, le decían “tú Felipe, a ti te salen muy bien las letras”. Fue un estudiante dedicado y meses después de terminar la carrera comenzó a dar clases en ITESO. Pocos años después se le presentó la oportunidad de hacer diseño gráfico para el departamento de Bellas Artes de Jalisco (ahora la secretaría de cultura), donde estuvo cinco años produciendo. Hacía el diseño gráfico de las actividades que habían en la ciudad de danza, cine, teatro, ediciones, música, etc.

“Ahí aprendí diseño gráfico haciendo, no estudiando. Teniendo la responsabilidad de producir, aprendes una barbaridad de cosas. Entonces ya no volví a la arquitectura.” cuenta Felipe.

 

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Le gustan los carteles porque repite la sentencia de su amigo Germán Montalvo “Un cartel es un grito en la pared… Sirven para transmitir un mensaje, no sólo están ahí de adorno.” Tiene publicada una obra con sus cuarenta carteles preferidos, celebrando los cuarenta años que tiene trabajando en eso.

Con Mito, su hermano, y el Maestro Mauro Kunst crearon la revista MAGENTA donde ahora comparte el trabajo de otros creativos y temas de interés en las disciplinas del diseño. Actualmente es maestro jubilado en ITESO y da conferencias alrededor del mundo, además también practica la fotografía. En un libro publica las fotos de cosas chistosas e ingenuas que se encuentra por la vida (letreros y accidentes urbanos), que pueden sacar muchas carcajadas. Además su trabajo se encuentra publicado en muchos libros importantes de diseño:

 

 

 

 

 

 

¿Qué opina un diseñador mundialmente reconocido sobre la inspiración?

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—No confío mucho en esta palabra inspiración. Yo creo que si te pones a trabajar en lo que tú sabes hacer o en lo que crees saber hacer; las ideas van a venir a tu mente–.

Un factor muy importante, es la observación.

Cosas que tienen que ver con tu trabajo, con tu vida, con tus afanes, tus hábitos. Si eres muy observador trabajando en algún proyecto que tengas a la mano, del trabajo o del cliente; si te pones a trabajar conscientemente y dedicas tu tiempo a eso, vienen las ideas, las buenas y las malas. Y ¿sabes que es muy importante? el bote de basura.

Eso lo aprendí de un diseñador holandés, director de ‘Cartón y papel’, que alguna vez entrevisté cuando trabajaba para una revista alemana en los 70’s y principios de los 80’s, haciendo entrevistas en Latinoamérica a diseñadores muchas veces por correo postal.

Uno puede tener quince ideas sobre la mesa, de esas, quédate con tres, las otras doce échalas a la basura. Un buen diseñador es el que tiene tres papeles en la mesa y el bote lleno. El mal diseñador tiene quince papeles en la mesa y el bote vacío porque no sabe descartar. Hay que atrapar las buenas ideas y cuidarlas. Y nada de andar buscando después en el bote diciendo “¡Ay! creo que se me fue una buena”, esas olvídalas.

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Libro de Ronal Shakespear, prólogo por Felipe Covarrubias

El argentino Ronald Shakespear, un gran diseñador y amigo mío. Quién ha embellecido la ciudad de Buenos Aires: ha diseñado muchas cosas que tienen que ver con el entorno: paradas de autobuses, el metro (desde los trenes, las estaciones, ornamentaciones, diseño de interiores, hasta la señalética), también señalética para las carreteras, para un zoológico en Argentina… en fin, muchos proyectos. El dice: “La inspiración es 10%, 90% es sudor”. Para él, sudor equivale a trabajo.

—¿Cree que el talento influye?

—Hay gente talentosa y hay gente que no, pero ¿por qué no es talentosa? pues porque es muy distraída, no observa, no lee y por ende, no se educa, por lo tanto el ‘disco duro’ está vacío y entonces no surgen cosas de ahí, si lo haces es más probable que el talento surja. No creo que la gente nazca con él.

A lo mejor el tener afinidad hacia una área es genético, no tuve papás diseñadores pero sí un bisabuelo. Trabajaba en rotulismo (no existía el diseño gráfico en ese tiempo); tenía un taller en Analco y ahí creaba los letreros de los grandes almacenes de Guadalajara, pero yo no lo conocí, ni sabía de él, hasta que cuando ya me dedicaba al diseño gráfico un tío me dijo: “¡Mira!, haces lo mismo que el abuelo”.

Me platicó todo lo que hacía mi bisabuelo: También pintaba en caballete y le encargaban cosas, en iglesias decoraba las ornamentaciones pictóricas. Hizo su laboratorio de fotografía en la cocina hasta que mi bisabuela lo corrió de la cocina porque los líquidos fotográficos envenenaron a los gatos y le decía “¡Nos vas a envenenar a todos con tus menjurges!”. Entonces tenía que improvisar en su tallercito en el barrio de San Sebastián.

Mi hermano Mito, al igual que yo, estudió arquitectura pero también la dejó muy pronto y se dedicó a la fotografía. Los dos heredamos algo del él, y hasta que ya nos dedicábamos a eso (yo al diseño y él a la foto) supimos que el bisabuelo también hacía eso. Eso me hace pensar que hay algo en los genes.

 

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Felipe Covarrubias en su estudio (su hija al fondo pintada por su amigo Waldo Saavedra).

 

Las oportunidades que tuvo Felipe llegaron a él porque su trabajo habló por si mismo. A pesar de que su abuelo fue reconocido en su campo, (incluso le decían “El Maestro de Analco”) no necesitó de sus contactos para entrar al mundo del diseño. Al terminar el trabajo de Bellas Artes se fue a Inglaterra a estudiar tipografía “El arte de hacer bien las letras”. Y al regresar abrió junto con varios socios la primer oficina de diseño gráfico y editorial que hubo en Guadalajara como tal, al mismo tiempo que era docente en su universidad. Después abrieron una galería de arte que se llamó “Galeríazul“, con la que duraron con ella 25 años. “Hace 6 años la cerré porque 25 años me parecieron suficientes. Nunca fue un gran negocio, era porque debía ser” dice Felipe.

Ha viajado con la galería a muchos países. En Argentina se vendieron muy bien las piezas por lo que empezó a viajar con más frecuencia a Sudamérica donde se conectó con varias universidades, disertando y ofreciendo talleres en varios países, Colombia, Venezuela, Bolivia, y principalmente Argentina.

En México ha dado clases en 40 universidades aproximadamente. También universidades de alrededor de doce países. En América: Argentina (Rosario, Córdoba y Buenos Aires), Colombia, Venezuela, Bolivia, Cuba, Costa Rica, Canadá. En Europa: Inglaterra y Bosnia (hace dos años) donde fue invitado a dar una conferencia sobre su trabajo en la Academia de Artes Aplicadas de Sarajevo.

Cada rincón de su casa es el reflejo del amor arte que tienen él y su esposa Lourdes, quien también es arquitecta y es quien ornamenta la casa, ahora en franco estilo neoplasticista.

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Fachada al estilo Piet Mondrian

 

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Sala con piezas de ex la Galería Azul

 

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Al fondo obra de Eduardo Vázquez Baeza (primer entrevistado del blog) y al frente obra de Waldo Saavedra

 

“Mi papá me enseñó a trabajar, me mostró la disciplina del trabajo que es una cosa maravillosa y creo que eso es lo mejor que le puede suceder al ser humano, que le enseñen a trabajar; por siempre se lo agradeceré. Mi madre me enseñó a ser tenaz y disciplinado, a decir “tienen que salir las cosas y tienen que salir bien, dando mucho de mi.”

 

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—¿Y creatividad que relación tiene?

—Para mí, es lo mismo creatividad y trabajo. La gente que no trabaja ¿qué tiene de creativa? no hace cosa alguna. La relación es triádica. El diseño de nuestra creación está basado en tres aspectos fundamentales:

La mente es la que piensa y reflexiona, el corazón es el que siente y tiene una fuerza emotiva que te pide que hagas, que te dediques y seas útil. Y por último la actividad misma. Hay gente que piensa mucho y no produce. Otra que siente que haría las cosas con todo el corazón o por amor a su país o a algo. Y hay gente que pretende tal cosa, la quiere hacer con todo su corazón y se pone a hacerla.

Dentro del diseño debe predominar la mente, porque el diseñador no es un artista, el diseñador es un sujeto que debe resolver problemas. El mismo diseñador Shakespear dice: “El diseño es un plan mental” ¿Puede ser un diseñador manco? ¡Claro que sí! ¿Para qué quiere las manos? El diseño no es un sustantivo –dice Mauro Kunst– hay que volverlo verbo. Es muy diferente “hacer” que “hecho”. No es una cosa; no puedes tomar un objeto que te gusta y decir: “¡Qué bonito diseño!”, porque no lo es. Puede estar bien diseñado, eso sí.

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Felipe Covarrubias ha disfrutado del éxito hasta la fecha, el cual no relaciona con las cosas materiales, sino principalmente con los viajes. Y para terminar cito lo que para mi fue la mejor enseñanza que me dejo platicar con él:

“Viajando uno se hace riquísimo, muy diferente a tener riquezas guardadas.”

Lo que yo recomiendo a todos los jóvenes: olvídense del carro lujoso, de los tenis de firma… viaja, ve al sureste, conoce Teotihuacan, ve a Xochicalco, ve a las Yácatas en Michoacan… bueno a Michoacan ahorita no vayan. Ve a Palenque, ve a Chichen Itzá y conoce lo que fue aquello. O a los conventos franciscanos del siglo XVI, dominicos, franciscanos o agustinos… ve a Acolman, visita las obras del porfiriato en la Ciudad de México, como el Palacio de correos y todo eso. Ve lo que fue el barroco Mexicano, el art nouveau, el art deco, las nuevas obras y los nuevos museos. Aquí y en cualquier lado. ¿De donde crees que salen las ideas? del disco duro de todo ese almacenamiento de cosas que tienes y no es para repetirlas, porque eso no tiene sentido, sino observar con mucho atención. A veces dices ¿cómo se me ocurrió eso? –pues de tantas cosas que viste–. No es que tuvieras un momento de inspiración, fue un recuerdo de tu memoria; y la memoria está en el corazón, no en la mente, porque uno se acuerda de lo que QUIERE.”

 

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Lo sorprendí con la misma camisa ¡¿desde el 2006?!

 

¡Muchas gracias Felipe Covarrubias por la entrevista, el nuevo número de Magenta, el cartel de regalo y la fotografía suya que más me gustó!

 

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Regalos ❤ (Cartel en bosnio de cuando fue a Bosnia)

 

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Fotografía del río Li, China. Por Felipe Covarrubias

 

 

 

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Cartel sobre diseño por Felipe Covarrubias

 

 

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Portada Magenta #5

 

Cuadernos de Diseño MAGENTA Publicación trimestral, suscripciones e informes: felipe@galeriazul.com.mx

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Coronel

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Un abogado muy cool. ¡Así como lo leen! La creatividad fluye en las venas de Aldo López y su proyecto “Coronel”.

Estudió la carrera de Derecho pero la vida se aferró a que caminara por las rutas del arte y el diseño. Dedicación, habilidad y creatividad, han sido los principales factores que le han abierto las puertas al mundo creativo. Pero no solamente eso, también ha sabido aprovechar las oportunidades y situaciones a su favor.

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#ElEsCoronel

 

“La vida intentó decirme varias veces: No estudies Derecho. Incluso mis amigos de la universidad me decían ¿tú que haces aquí?, tú eres diseñador.”

Pero Aldo López nunca se consideró una persona artística, su potencial creativo lo sintió hasta que empezó a crear los diseños que le pedían y a partir de ahí fue desarrollándolo y sintiendo cada vez más congruentes sus acciones con sus pensamientos, haciendo diseño en vez de entrar al mundo del Derecho en México. Le gustaba la materia jurídica, era estudioso y bueno en el ramo; veía que la ley es lo que debía ser y cómo debían de funcionar las cosas en la sociedad. Sin embargo, confirmó que la realidad es muy diferente: en México, la corrupción predomina y al final se buscan los huecos de la ley para conseguir lo que sea; no basta ser justo. Además, sus conocidos estaban en el medio artístico y no en el del Derecho, por lo que prefirió apoyarse en el primero para crecer.

Su familia distribuye materiales, materias primas para diseño y construcción, principalmente. Pigmentos, resina, fibra de vidrio, cemento, etc. De modo que siempre vivió rodeado de distintos materiales. Sin embargo, no se dio cuenta de que podía crear muchas cosas. Lo que sus padres querían para él era que se encargara de los asuntos administrativos de la empresa familiar.

Por otro lado, Aldo tenía varios amigos diseñadores que ya estaban exhibiendo sus colecciones en pasarelas en la Ciudad de México y otros estados del país. Sabían que él tenía acceso a los materiales y además buen gusto, así que le pidieron en varias ocasiones que les hiciera algunos accesorios y réplicas de partes del cuerpo humano. Al ver que a la gente le gustaba su trabajo, y las reacciones que tenían al verlo, sintió una gran motivación por crear más cosas y así fue como nació su proyecto Coronel Mx el cual nombró así en honor al apellido de su abuela, a quién admira y describe como luchona y trabajadora.

 

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Coronel tiene dos partes, por un lado la parte creativa de Aldo López quien hace colecciones con un concepto y a partir de eso desarrolla distintas piezas; y otro lado un poco más comercial, que crea algunos objetos decorativos por petición y diseña ambientes para espacios. Por mencionar algunos de sus clientes, ha hecho piezas para Audi, Infiniti, Ron Captain Morgan, a quien le hizo una réplica gigante del capitán, y La Gran Vía donde hace aparadores y visual merchandising para cada temporada.

 

El no haber estudiado diseño o artes plásticas ha resultado un arma de doble filo. Hay quien se sorprende y admira más su trabajo cuando se entera que en realidad es abogado, pero también hay quién prefiere un papel que demuestre sus estudios. Por eso decidió estudiar algunos diplomados sobre diseño e historia del arte, para tener mejores bases de conocimiento en el tema. No obstante, cree que el trabajo que hace puede hablar por si solo y su capacidad de sacar adelante los proyectos que le ofrecen es lo que verdaderamente importa.

“Hay gente que dice que es arte, otras dicen que es diseño o decoración. Ni siquiera estudié diseño y arte, entonces no soy diseñador ni soy artista, es difícil definirlo. El otro día me preguntaban:

—¿Tú eres diseñador?

—Pues sí, porque diseño.”

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Los “bocetos”

Bien dicen que el que quiere, puede. Aldo nunca aprendió a dibujar pero ha buscado los medios para representar sus ideas y ha tenido que aprender a utilizar programas como illustrator para hacer el diseño gráfico de Coronel. Para tener una idea previa del resultado, hace “bocetos” tridimensionales; es decir, modelos a escala del producto final, lo cual ayuda al cliente a visualizar la pieza previamente a su fabricación. A veces hace collage para visualizar un proyecto en vez de hacer un render y tiene un cuaderno de bocetos al que llama “ideario” en donde hace dibujos que solo entiende mientras los hace. Aunque a decir verdad, yo lo vi dibujar su autorretrato y creo que es muy talentoso.

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Autorretrato de Aldo López

 

Hablando de mi interés principal: las musas del artista son las cosas que le están pasando, las situaciones emocionales actuales, reflexiones personales, la música, la moda o conceptos que son de su interés y que busca plasmarlos en sus piezas. Le llaman la atención los temas apocalípticos, místicos y misteriosos.

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“Mi momento de inspiración es muy extraño porque es como ese flashazo inesperado de querer hacer algo”.

Trabajar la resina le parece una especie del alquimia, como cuando el alquimista tiene un pedazo de carbón y lo trata hasta convertirlo en oro. Este material puede tener distintos procesos de transformación con los que se logran resultados muy variados. La idea de la alquimia acompaña a todas las piezas de Coronel.

Durante un año pausó la carrera de Derecho para dedicarse a hacer pruebas y piezas experimentales.  Ahora que conoce el material mantiene el propósito de llevarlo continuamente a un nueva dirección y crear cosas diferentes con el. A veces la gente se sorprende de lo que usó para crear cierta pieza porque logra aparentar estar hecho de otro material y ese es el efecto que busca causar, ya que se vuelve más económico para el cliente adquirir productos de calidad que no necesariamente utilizan elementos costosos, como por ejemplo estos relojes de efecto tipo mármol que muestro a continuación:

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Piezas presentadas en WIT 2016 por Coronel

O las inclusiones en vidrio serían más costosas que éstas en cristal sintético:

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Inclusión de mariposa real, en cristal sintético

 

Coronel tiene muchos proyectos en camino y espera continuar algunos como el de 22 cráneos, donde colaboró además con 22 artistas que él admira. Aldo confía mucho en ese concepto de colaboración, porque nunca se sabe de donde pueden llegar las oportunidades y es importante ayudarse unos a otros a crecer. Y eso a mi me quedó muy claro desde el principio, al invitarlo al blog aceptó amablemente desde el principio y me concedió unas horas de su día para platicar y tomar fotografías.

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Alma, colaboración de Coronel y Mariana Motoko

 

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Antes de ser de resina, fue de plastilina.

Nadie inventa el hilo negro y si tú creas algo es muy probable que muchas otras personas ya lo hayan hecho en otras épocas o esta misma en otro lado del mundo o hasta en tu misma ciudad, pero al menos trabajaste en tu propia idea y te quedó el aprendizaje del proceso. Como todo creativo, ha pagado el precio de ser original: las copias. A veces se encuentra con que las personas a las que les dio un taller de resina hacen las mismas cosas que él, siendo que las posibilidades son infinitas. Y aunque por un lado le parece molesto saber que le están copiando, por otro se da cuenta que hacen algo que él hizo hace años y, durante el tiempo transcurrido desde que los creó, ya obtuvo nuevos conocimientos y experiencia para crear nuevos y mejores proyectos.

Y bueno, entre tantos temas interesantes que salieron durante la conversación, me quedo con lo siguiente, como consejo para mi persona y que a todos nos sirve tenerlo en mente siempre:

“Las cosas llegan solas pero creo que lo principal es buscar las oportunidades. Muchas veces, como en mi caso, están dentro de la misma familia y ni nos damos cuenta. Hay que encontrar los medios y aplicarse en algo. No sirve que tengas solo una buena idea, hay que moverse para que se materialice y trabajar para que la conozcan y prospere. Se necesita cierta ambición para fijarse metas.

Hay muchas puertas que tocar y aunque muchas puedan abrirse con dinero y contactos, también se abren con los resultados que entregues. Siempre va a haber alguien que realmente vea el trabajo por lo que es. Sin tomar en cuenta si tienes dinero, un título o experiencia.

Es algo triste, pero es una realidad. Llega el punto en el que nos convertimos en un producto, te estás vendiendo porque estás vendiendo tu idea y tu mercancía. Entonces la manera en la que te desenvuelves en la sociedad es muy importante. El darte a conocer con las personas que mueven verdaderamente las cosas dentro de tu medio, como la Secretaría de Cultura, o las personas que están realmente involucradas dentro del arte y el diseño.”

 

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¡Muchas gracias Aldo López, por tu generosidad! Admiro mucho tu trabajo y tu persona y se que seguirán llegando muchos éxitos a tu vida.

Les recomiendo que conozcan aún más su trabajo y vean sus proyectos:

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Y obvio, mis redes sociales:

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Ángel Santos

 

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En mi primera publicación escribí:

“Me interesan los artistas vivos principalmente. Creo que existen muchos talentos en México y en el mundo que merecen ser reconocidos”.

Y al momento de escribirlo a mi mente llegó el nombre de Ángel Santos.

Yo les recomiendo que se tomen un cafecito, se relajen y se den el tiempo para leer todo el contenido de esta publicación y ver las fotografías que tomé, porque vale la pena conocer sobre este gran artista.

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Afortunadamente, su trabajo es valorado no solo en México sino en otros países. Sin embargo, creo que el mundo de la cerámica no obtiene el prestigio y apoyo que se merece; por ende, creo que los maestros de esta práctica tampoco, sino sólo de una minoría de personas interesadas en este trabajo del que existen variadas técnicas. Barro bruñido, la técnica alfarera milenaria de mayor antigüedad, es la que realiza este artista-artesano que cuenta con varios premios y títulos importantes, entre ellos:

Reconocido desde los 30 años como “uno de los grandes maestros del arte popular mexicano”. En 2002 primer premio en la Feria Internacional de Artesanía en Puerto Rico, en la categoría “Artesanía Tradicional”, con la participación de 37 países invitados. En 2006 obtuvo el premio Nacional de Ciencias y Artes, como miembro del grupo Herencia Tonalteca, en el rubro “Artes Populares”. En 2009, Galardón “Ángel Carranza” del Premio Nacional de la Cerámica en Tlaquepaque y en 2014, de nuevo en el Premio Nacional de la Cerámica, recibiendo en esta ocasión el galardón presidencial a la mejor obra presentada. Primer premio en alfarería bruñida en Oaxaca 2015 y primer lugar en el concurso de FONART del mismo año. 

 

Su trabajo ha dado la vuelta al mundo en colecciones públicas y privadas, concursos, impartiendo talleres y dando conferencias. México, Estados Unidos, Canadá, Taiwán, China y Francia son países donde ha estado su trabajo.

 

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15 de junio de 2007

Sí, ríanse, la de la foto soy yo hace casi 10 años. Tuve el gran honor de conocer a Ángel Santos a mis 12 años de edad, gracias a mi papá, quién se enteró de un taller que impartiría el artesano en Tonalá. Así que no lo pensó dos veces, se anotó y nos invitó a mis hermanos y a mí a asistir al taller, por lo que tuvimos el placer de convivir cada sábado con él; así que esta publicación fue el mejor pretexto para un reencuentro. Mi papá recuerda que antes de ese taller, dos o tres años previos o quizá más, supo de él por un programa que se transmitió en canal 7 en el que hablaban del arte tonalteca y a Ángel lo presentaban como un innovador, es decir, como alguien que había refrescado la tradición, por así decirlo, dándole un aire nuevo. El ceramista opina que fue en medio de esa inquietud y de esa necesidad de hacer cosas y tal vez de una falta de respeto y de hacer disparates. Sin embargo, siempre intentar algo nuevo lo lleva a asumir riesgos.

Ver artesanías me hace preguntarme ¿qué cosas maravillosas se pueden hacer con estudios universitarios, en el ámbito de las artes, en conjunto de sus habilidades?, ¿en verdad es necesario el estudio, o la práctica puede ser lo único que importa?  La conversación con Ángel nos ayuda a aclararnos:

—¿Qué tanto influye y que tanto te abre la mente la formación artística?

—Increíblemente, de manera casi dogmática. Porque si bien el artesano tradicional tiene una mentalidad, una forma de pensamiento riguroso, me parece que la academia también. Entonces son pecadillos que llevan en su formación, heredada, tanto el artesano como el académico. Para mí, haber estado en las dos partes, quizás me permitió hacer algunas cosas con la libertad de no sentirme ni de un lado ni de otro. En nuestra familia siempre sonaba eso de: “Ustedes no son de aquí. Tú no naciste aquí”, había un riguroso sentimiento de pertenencia. Pero eso también provocó en mí que me permitiera una serie de libertades. Yo nací en Río Grande Zacatecas pero me siento Tonalteca. Siempre ha habido respeto.

—Como que ese “desarraigo” te ha permitido tomar distancia y ver lo que tu amas pero poquito desde fuera, para transformarlo.

—Exacto, aunque siempre con respeto. Esa parte se fue nutriendo también. En los últimos años he decidido no viajar, aunque oportunidades no han faltado, para concentrarme más en este trabajo, en mi proyecto y en la familia, pero yo disfruté mucho mis viajes porque siempre me ubicaba desde afuera. Y ese ver las cosas o verse a uno mismo desde afuera, es algo muy interesante, una introspección al final de cuentas.

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La suavidad de la textura de sus piezas se logra tallando con piedras de río, hasta quedar completamente lisa la superficie rugosa  del barro seco y sin hornear. La pintura se prepara con óxidos o tierras mezclados con barro y se pinta con pinceles hechos de pelo de gato, perro o ardilla principalmente. El delicado brillo se da tallando cuidadosamente con pirita, un mineral dorado.

 

 

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Él mismo construyó sus propios hornos para cerámica. En la parte superior se colocan las piezas a hornear y en el hueco de la parte inferior se enciende la fogata. No son de alta temperatura, la temperatura máxima a la que se llega son alrededor de 750º C, para éste tipo de técnica no es necesario.

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Ángel nos cuenta:

—Cuando yo inicié tenía alrededor de siete años, entonces muchos detalles de los que hacía al pintar no eran conscientes, sino como se iban dando. Necesitaba un lugar donde trabajar porque éramos una familia migrante, había que hacerlo y no era castigo ni mucho menos, en muchos casos era divertidísimo. Pero de ahí hasta antes de los 27 años, estudiando artes en la Universidad de Guadalajara, empecé a ser consciente de muchas cosas porque tuve muchos maestros a quienes les fascinaba la artesanía, tenían mucho respeto por los artesanos y era gente que solía venir con frecuencia a Tonalá a comprar. Pero además había otros ejemplos de artesano que habían ido a la escuela de artes plásticas a estudiar dibujo, a practicar algo o simplemente a platicar con algunos maestros.

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Como todos los artistas, la pintura de Ángel Santos ha tenido su proceso evolutivo. La anterior fotografía muestra un detalle de un jarrón hecho por el ceramista a los 22 años aproximadamente, del que nos dice:

—Esos son venados, supuestamente jajajaja. Yo ahora los veo y digo “qué cosas más raras”. Provocan risa, sobre todo de la gente docta, de los artesanos tradicionales. Yo creo que me merecería casi un coscorrón. Es que en aquellos tiempos era de esa manera, porque tiene lo que yo buscaba: movimiento. Pero tiene también una desproporción fatal ¿no?

—…jajajajaja

—Pero también tiene un detallito: la cabeza, no está delineada completamente en ésta pieza. Recuerdo que casi en estas fechas escuché un comentario de parte de un compañero artesano, amigo mío,  que decía que “el trabajo de Ángel Santos eran nada mas venaditos volando”, y me pareció muy curioso. Nunca lo tomé a mal, por el contrario, pensé “tal vez él no conoce todo lo que yo hago”, pero me gustó el hecho de que identificara algo.  A partir de eso se han generado cosas interesantes. Ya con un mejor conocimiento y una más amplia experiencia no tengo pretextos, es decir, todo lo que hago actualmente tendría que ser mejor, aunque no siempre suceda.

 

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Ángel Santos no sólo decora sus obras pintando venaditos volando. Utiliza muchos elementos de naturaleza como plantas y animales; a veces con fantasía, pintando los famosos nahuales  de Tonalá o animales bicéfalos, o escenas con personas como la boda entre un ángel y un diablo.

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—Yo creo que mi dibujo es como la mezcla de varios estilos, una distinción en mi trabajo es la afanosa búsqueda, que muchas de las veces es fallida. Al andar experimentando se equivoca uno con mucha frecuencia, es un riesgo mayor. Pero todo viene de un dicho que me gusta mucho: “El que busca encuentra”. Al final del día encontré algunos detalles que consideré más míos y que hacían lucir mi trabajo mucho más. Por justicia me gusta decir “lo que yo hago no me pertenece”, porque la técnica del barro bruñido pertenece a una comunidad, por lo tanto hay que respetarlo.

 

 

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Detalle sutil de un caballo de barro

Instrumentos sonoros, jarrones, los mismos animales reales o de fantasía que pinta, mosaicos para poner en el piso, en marcos de paredes o bóvedas, fuentes, dijes, alhajeros y muchas cosas más son las que el artesano hace con la técnica del barro bruñido; el único límite es su creatividad.

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Ángel Santos no solo se limita a plasmar sus diseños en barro bruñido, también los ha transportado a metal y sus dibujos a serigrafía.

 

 

 

El barro bruñido es un proceso de mucha paciencia y trabajo continuo. No basta con dedicarle muchas horas de trabajo a una obra para obtener un buen resultado, como todo trabajo bien hecho, existen los momentos de frustración:

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Piezas de pequeño o gran tamaño a las que se les dedicó muchas horas de trabajo llegan a romperse, a veces a la mitad del proceso otras a punto de terminar. Y no importa cuantas semanas haya tomado elaborarlas, si se rompió mucho o poquito, o si es el tercer intento para su creación. Por ejemplo esa pieza de los nahuales que se muestra en las imágenes anteriores va a remojarse hasta que se disuelva el barro y pueda volverse a utilizar. ¡Qué triste! ¿no? Ni nos imaginamos cuánto sudor y lágrimas conlleva realizar obras cómo éstas.

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Además existen otras dificultades para los artesanos:

La persona que les vende el barro es prácticamente el único proveedor que hay y que surte a Tonalá; existen otros, pero que no tienen ni de cerca la misma calidad. Se trata de un ingeniero que cada vez encuentra menos tierras para sacar el barro, ya  casi nadie lo deja. Lo consideran un saqueador, cosa que le parece incongruente porque él lo hace para conservar la tradición. Anteriormente el barro que se recolectaba en Tonalá provenía de muchos puntos pero ahora escasea porque se ha construido mucha vivienda. Ángel considera que lo que ganó no fue la necesidad de vivienda, sino la ambición ligada a la construcción. Cuando inició en el mundo de la cerámica, el artesano podía ir a recolectarlo directamente de los yacimientos, prácticamente fue de los últimos que lo hizo. Ahora un artesano joven aunque quiera y tenga lo posibilidad de hacerlo no iría, además se duda si tendría la capacidad de reconocer cuál es el mejor material o si va a traer algo que no le será útil. Normalmente una sola tierra no sirve, se traen dos o tres y se hace una mezcla.

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Es curioso este universo de la cerámica, porque a pesar  de querer conservar una tradición y decir que el barro bruñido es algo de una comunidad, por lo que no pertenece sólo a una persona, también hay artesanos como Ángel Santos que han pasado a ser ARTISTAS. Yo no tengo mucha experiencia y autoridad en el medio del arte, pero para mi las piezas de cerámica que hace son obras de arte, indudablemente. No obstante, sé de opiniones acerca de los artesanos que dominan perfectamente una técnica, haciendo cosas detalladas y minuciosas, pero que no son considerados artistas por no tener un estilo personal. Por eso para mi es muy interesante conocer cómo se ve a si mismo el artista y qué opinión tiene acerca del tema:

—En el caso de Estados Unidos en particular la cerámica no se ve como una artesanía, se ve como una técnica de expresión artística: como la fotografía, el grabado, la escultura, la pintura y no hay esa separación. Creo que en México es donde se marcan mucho los términos de artes menores o artesanía para denominar un arte menor.

Considero que ninguna de éstas técnicas de expresión artística te hace artista sólo por ese motivo. No es el manejo adecuado de la técnica, sino el qué vas a decir,  el qué estás diciendo, qué es lo que deseas expresar. A partir de eso, como un ejercicio de la calidad técnica y de la experiencia que se va acumulando, al final de cuentas no se es artista así de simple, es como un cedazo de tiempo, el tiempo es el que dictamina que sí y que no pasó.

—¿Entonces cuándo puedes considerarte artista?

—Cuándo tienes una expresión personal y ha pasado a ser del gusto de la gente, que la reconoce con facilidad. Una cosa es decir: esto es de alguien (que es reconocido en cualquier parte), a diferencia de decir: esto se parece a; es decir, no tiene una identidad. Cuando logra esa identidad, esa personalidad, yo creo que está en ese otro lado como artista. Pero también considero yo que es regla el aportar, que no se puede uno considerar artista (el término puede resultar hasta ambiguo), si no ha llegado al punto de aportar algo.

Me parece que primero es aprender y darse ese tiempo de madurez, de aprendizaje, el conocimiento técnico, teórico, práctico y el ganar habilidades hasta lograr la maestría. Y además de la personalidad, la identidad y esa expresión personal, por último viene la aportación, es decir qué aportó el artista o el autor en relación a toda esa expresión plástica personal, qué aporta técnicamente y también que aporta en general a esa misma comunidad. Si es zapatero, o lo que sea, de todas formas llega un punto donde hay una maestría increíble. Como artesanos hay muchos oficios que cuando se logra eso es imposible no reconocer la habilidad ganada.

En cuanto a la aportación que se hace a la humanidad, tenemos un claro ejemplo: hay casos ineludibles e innegables: Francisco Toledo. Después de lograr su propia personalidad, bastante única, un pintor grabador, también se construye un centro cultural para impartir; no necesariamente para que lleve su nombre, ¡nunca!, sino para impartirle a nuevas generaciones sus conocimientos, para compartir.

Ángel cree además que es una necesidad hacer algo por preservar la práctica de ésta técnica ancestral. Tiene un proyecto llamado “Herencia Milenaria“, una agrupación de artesanos tradicionales, algunos con experiencia y otros que iniciaron en dicho grupo, con el que se logró crear un centro cultural que pretende impartir clases para niños y jóvenes, sin costo, en Tonalá. Gracias a la difusión de ese proyecto fue que nosotros asistimos al taller y el artista nos cuenta que la aportación voluntaria que hacía cada persona fueron los primeros logros económicos con los que se fortalecieron las actividades en conjunto.

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DSC_0203xNunca olvidaré los sábados de cerámica en su rústico taller. Nos enseñó paso a paso como hacer cerámica de barro bruñido y nos dio todos sus consejos sin guardar ningún secreto, para mi siempre fue (y sigue siendo) un lugar mágico, donde nos ensuciábamos sin culpa las manos y la ropa de barro, sintiendo su frescura recorrer nuestros dedos y rodeados de bellas piezas de arte, con el cacareo de los gallos a lo lejos y grillitos cantando ¿cómo no querer decir algo cursi con ese recuerdo?

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¡Muchísimas gracias Ángel Santos! por recibirnos en tu taller y tu casa. Por la plática amena, siempre, y tu generosidad. ¡Ah claro! y por mi hermoso dije de regalo ❤

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Por último unas pequeñas preguntas que ayudan a englobar lo anterior y conocer otros detalles:

—¿Cómo entraste en el mundo de la cerámica? Primero por necesidad, provengo de una familia migrante, después por  gusto y ahora por pasión.

—¿Por qué barro bruñido? Hay aspectos casuales, coincidí  a los 7 años en un taller donde se trabajaba esta técnica milenaria, mas adelante decidí quedarme y seguir aprendiendo hasta emprender mi propio proyecto.

—¿Qué distingue tu trabajo de otros ceramistas? En principio soy ceramista tradicional  en ese sentido una labor esencial es la preservación. Y es hasta después de mucho tiempo que intento hacer alguna aportación personal a dicha técnica.

—¿Qué opinión tienes acerca de la inspiración?  Seguro que existe llega después de horas y horas de consciente y entusiasta trabajo.

—¿Cómo desarrollas la creatividad?  A partir de la experiencia y del estar ahí, insistiendo, buscando la mejor de las soluciones a cada una de las piezas que elaboramos tanto a iniciativa propia como también por encargo.

—¿Haces bocetos antes de pintar? Mayormente no, pero si boceto debido a que también tuve una preparación académica en la escuela de Artes Plásticas. Es casi regla que un “decorador de vasijas” tradicional de Tonalá lo haga de forma directa, sin trazo previo y yo así aprendi.

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—¿Qué parte del proceso crees más importante? En un oficio todas las partes del proceso son igual de importantes, una depende de la otra sucesivamente, aunque haya diferencias escalonarías.

—¿y cuál te gusta más? La conceptualización, es decir la creación que aunque parece no estar en el proceso productivo es el que indica el rumbo. Después de ello la definición de la forma y enseguida el vestido: el diseño decorativo… pero me hubiera gustado decir únicamente “la labor del fuego” imprescindible en un proceso cerámico.

—¿A qué artistas admiras? A todos en general  me fascinan esos relatos de perseverancia y terquedad, de paciencia y sabiduría, de magos y picaros seres excepcionales. Ceramistas: Gustavo Pérez y por supuesto Jorge Wilmot.

 

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